Putere si sange. O aventura indiana – Inteligentele femei ale Imperiului Mogul

Noua carte scrisă de Aurora Liiceanu devine o călătorie prin secolele în care India a strălucit datorită conducătorilor expansivi şi luminaţi (unul dintre ei a construit Taj Mahal).

India prezentată de Aurora Liiceanu este acea Indie a Imperiului Mogul, ce poate fi comparată cu perioada Renaşterii din Europa Occidentală. De-a lungul secolelor, această Indie a devenit un fluviu de poveşti şi de biografii suculente şi picante, la fel de abundente precum elementele decorative ale palatelor construite de moguli.

Poveştile şi biografiile analizate au şi personaje înţelepte, şi necumpătate. Şi personalităţi feminine introspective, senine, cu deschidere spre lumea artei, şi eroine obsedate de putere în cel mai distructiv mod cu putinţă. Şi mai au şi acele descrieri ale opulenţei excesive pe care împăraţii şi favoritele acestora au transformat-o în capodopere ale artei şi arhitecturii. Aşadar, poţi spune că regăseşti în cartea Putere şi sânge. O aventură indiană acea întâlnire irezistibilă dintre istorie, descrieri îmbietoare ale vieţii de la curtea imperială mogulă, observaţii psihologice bine drămuite, anecdote memorabile, asumări curajoase ale erotismului feminin şi un vizionarism social-politic nemaîntâlnit la vreun suveran oriental ce a trăit în perioada cuprinsă între secolele XV-XVIII.

Vei citi pagini captivante despre suveranii Imperiului Mogul şi despre femeile remarcabile ce i-au sedus printr-un amestec preţios de isteţime, cultură şi tenacitate ieşită din comun. Aceşti suverani orientali aparte au rămas în istorie nu doar prin relatările despre obsesia lor de a cuceri fecundele teritorii ale Asiei, ci şi datorită viziunilor moderne asupra educaţiei cosmopolite şi toleranţei de orice fel (mai ales religioasă).

O altă calitate asociată mogulilor a fost şi abilitatea de a recunoaşte şi fructifica potenţialul intelectual al favoritelor din harem. Ei au ştiut să preţuiască sfaturile, erudiţia şi inteligenţa femeilor din preajma lor, pasionate de arte şi de ştiinţe, şi vorbitoare de multe limbi străine.

foto: www.metmuseum.org

Stările pe care ţi le dă o carte despre India din timpul Imperiului Mogul pot fi coagulate într-un singur cuvânt: uimire. Te uimesc picturile în care nuanţele sofisticate, miturile, trăsăturile rafinate, senzualitatea şi delicateţea se împletesc. Te uimesc palatele înconjurate de un paradis vegetal înmiresmat. Te uimeşte dezvoltarea oraşelor precum Lahore, unde se aflau reşedinţele imperiale, oraşe ce depăşeau de câteva ori numărul de locuitori ai marilor capitale occidentale. Te uimesc abilităţile de lider ale soţiilor imperiale şi puterea adesea revendicată de ele datorită înzestrării intelectuale pe care împăraţii puneau mare preţ în alegerea femeilor devenite favoritele palatului. Dar te vor uimi (şi înspăimânta în acelaşi timp) cel mai mult contradicţiile psihologice.

Vei regăsi în lumea interioară a suveranilor şi a femeilor de la curtea mogulă o convieţuire de neînţeles pentru omul modern între înţelepciunea dătătoare de toleranţă şi pornirile năvalnice iraţionale şi devastatoare când lupta pentru păstrarea tronului şi a privilegiilor se dezlănţuie aprig. În această Indie erudiţia şi întunecimea se luptă pentru a stăpâni regatul psihologic al fiecărui conducător şi al fiecărei femei inteligente ce l-a influenţat. Acelaşi om capabil să-şi dedice viaţa artelor, iubirii şi cunoaşterii poate cădea rapid în mrejele barbariei ce îi oferă iluzia dominării, a puterii nemăsurate.

Personajele analizate de Aurora Liiceanu în Putere şi sânge. O aventură indiană au trăit în secolele marcate de înflorirea a fascinantului Imperiu Mogul. Acest imperiu unic a devenit faimos deoarece a lăsat în urmă unele dintre cele mai frumoase palate, autobiografii regale, picturi şi grădini nu doar din Orient, ci din întreaga lume. Taj Mahal este simbolul acestei perioade despre care se spune că este de neegalat în istoria Orientului şi care a lăsat urme adânci în memoria colectivă a indienilor, dar şi a occidentalilor.

În documentele oficiale şi în relatările istoricilor, Imperiul Mogul a fost reprezentat de  conducătorii săi neînfricaţi, renumiţi şi datorită setei de cunoaştere, dorinţei de a înţelege şi asimila tot ce avea mai bun cultura altor popoare. De faima şi dezvoltarea fără precedent a Imperiului Mogul sunt legate numele unor mari cuceritori şi buni strategi în campanile militare, deveniţi, pe timp de pace, şi nişte împătimiţi colecţionari de manuscrise preţioase.

Din galeria împăraţilor moguli emblematici fac parte Babur (întemeietorul imperiului) şi marele Akbar, devenit celebru datorită interesului manifestat faţă de istoria religiilor, filosofie, ştiinţă şi arte, dar mai ales datorită obiceiului de a chema la curtea lui reprezentaţi ai mai multor culturi şi religii pentru a se inspira din ideile acestora. Akbar era ospitalier cu misionarii creştini şi încuraja construirea unor lăcaşe de cult de către supuşii adepţi ai altor religii decât a sa (Islamul). Se poate spune că Akbar a fost înaintea vremurilor sale deoarece a înţeles principiul modern al unităţii prin respectarea diversităţii.

foto: https://www.culturalindia.net/indian-history/akbar.html; http://www.speakingtree.in//files/blogfiles/images/920010/Akbar_2.jpg

Bunicul lui Akbar, pe nume Babur, a devenit primul suveran musulman ce şi-a scris memoriile, care egalează prin observaţia introspectivă operele multor înţelepti occidentali. Akbar i-a moştenit interesul pentru cunoaştere. El a rămas în memoria colectivă drept un suveran cu viziuni liberale nemaîntâlnite până atunci în spaţiul musulman. Akbar le-a permis tuturor etniilor care alcătuiau vastul său imperiu să îşi păstreze religia, neobligându-le să se convertească la religia sa – Islamul – şi a dat legi prin care a promovat dreptul femeilor la demnitate, nişte legi cu adevărat curajoase pentru secolul al XVI –lea, la care nici măcar femeile din Europa Renaşterii nu visau.

Moştenirea lăsată de Babur şi de nepotul său, Akbar, a fost continuată de Shah Jahan, care a ordonat construirea faimosului Taj Mahal, în memoria soţiei sale. Cei trei împăraţi – Babur, Akbar şi Shah Jahan – au transformat Imperiul Mogul într-o lume uluitoare pentru călătorii şi aventurierii străini, printre care negustorul de pietre preţioase Jean-Baptiste Tavernier şi medicul francez devenit apropiatul conducătorilor indieni – François Bernier.

În memoriile negustorului Tavernier şi ale medicului Bernier, care se întind pe mai multe volume, occidentalii au aflat despre un imperiu oriental unde splendoarea, desfătarea, cunoaşterea şi opulenţa transformată în artă contrastau cu actele pline de cruzime din culisele puterii. Multe dintre aceste acte au fost puse pe seama intrigilor ţesute de favoritele împăraţilor moguli. Despre ele se spune că nu s-au temut să preia frâiele puterii când soţii lor sau fraţii lor erau prea ocupaţi cu luptele şi campanile militare. Două dintre aceste femei au fost Jahanara şi Roshanara, fiicele celui ce a ordonat ridicarea celebrului Taj Mahal.

Între cele două surori (Jahanara şi Roshanara), la fel de inteliente şi cultivate precum împăraţii vizionari, a existat o rivalitate întreţinută de tatăl lor, Shah Jahan, care a preferat-o pe Jahanara surorii ei mai mici Roshanara. Sora care s-a simţit respinsă (Roshanara) l-a convins pe unul dintre fraţii ei să-i devină aliat. Fratele avea să preia tronul, pe când Roshanara s-ar fi transformat în cea mai influentă femeie a imperiului. Uneltirea a dus la decăderea surorii mai mari, Jahanara, care însă a compensat pierderea statului privilegiat prin bucuriile aduse de lectură şi de scris. Asemenea femeilor influente de la curtea imperială mogulă, Jahanara era o erudită ce a transformat pasiunea pentru lectură într-un mod de viaţă şi într-o supravieţuire psihologică.

foto: Printesa Jahanara; https://en.wikipedia.org/wiki/Jahanara_Begum

Istoricii îi datorează Jahanarei unul dintre cele mai intime, poetice şi realiste portrete ale Indiei Mogule. Manuscrisul ce includea impresiile, observaţiile şi memoriile ei a fost descoperit la trei sute de ani de la moartea acesteia. Manuscrisul Jahanarei a fost ascuns într-un loc secret din Turnul Iasomiei (din Fortul Agra), locul unde îi plăcea ei să se retragă pentru a-şi scrie gândurile.

Descoperit întâmplător de Andrea Butenschön, în momentul în care o bucată din marmură s-a desprins din zid pentru a dezvălui o ascunzătoare nebănuită, manuscrisul Jahanarei (mai bine zis copia lui în limba persană) a dezvăluit scene din viaţa cotidiană a haremului, descrieri ale palatelor şi ale grădinilor (devenite surse de inspiraţie pentru europeni), dar mai ales cutumele şi legile care influenţau viaţa unei femei din India mogulilor. Manuscrisul a fost tradus în engleză de către Andrea Butenschön, în 1931, cu titlul Viaţa unei prinţese mogule: Jahanara Begum, fiica lui Shah Jahan.

Nu doar Jahanara avea obiceiul de a-şi transforma gândurile în memorii sau în poezii. Majoritatea femeilor ce au căpătat statutul de favorite ale împăraţilor erau înzestrate cu o minte sclipitoare şi un simţ al observaţiei ce le permitea să îmbine lirismul cu descrierile demne de un sociolog sau antropolog. Erau cel puţin la fel de cultivate precum suveranii vizionari ai Indiei mogule. De mici deschideau volumele din marile biblioteci imperiale, din care citeau despre arhitectură, astronomie, istorie, religiile altor popoare, geografie, lingvistică, poezie. Puteau citi în mai multe limbi şi toate visau să lase în urma lor construcţii şi grădini care să impresioneze prin valoarea estetică.

Din păcate, biografiile prinţeselor şi ale favoritelor din harem ce au impresionat prin inteligenţa lor nu s-au bucurat de marele interes al cronicarilor de la curtea imperială. Ele au devenit cunoscute mai degrabă datorită scrierilor autobiografice, poeziilor lăsate în urma lor, picturilor şi povestirilor găsite în memoriile călătorilor occidentali, vrăjiţi de personalitatea acestora. Se poate spune că perioada colonială a fost una benefică pentru redescoperirea acestor personalităţi feminine remarcabile devenite foarte influente odată ajunse în haremul imperial.

foto: www.metmuseum.org/art/collection

Printre colonialiştii având interese pur mercantile s-au strecurat şi europeni cu preocupări nobile. Aceştia au salvat manuscrise rare ce includeau gândurile personalităţilor feminine, pe care le-au tradus în engleză, astfel încât se poate spune că începutul secolului XX a reprezentat intrarea în spaţiul vestic al femeilor de la curtea imperială mogulă. Scrierile lor deveniseră bestseller, fiind apreciate la adevărata lor valoare, dincolo de prejudecăţile ce le prezentau drept nişte intrigante avide de putere, lipsite de scrupule.

Aurora Liiceanu le dedică multe rânduri acestor erudiţi care nu i-au considerat pe indienii colonizaţi nişte fiinţe inferioare. Povestea femeilor de la curtea imperială se împleteşte cu poveştile călătoarelor şi ale învăţaţilor occidentali ce au ajuns în India pentru a o descrie aşa cum merită, drept un tărâm ce a cunoscut şi perioade înfloritoare, ce au influenţat cursul istoriei, mai ales al istoriei artei. De fapt, cartea Aurorei Liiceanu seamănă cu iluziile optice produse de oglinzile răspândite într-un palat mogul având multe înflorituri decorative, arabescuri, dantelării şi încăperi ascunse.

Asemenea iluziilor optice născute din reflexiile produse cu ajutorul oglinzilor, paginile abundă în detalii ce se suprapun sau îţi dau impresia că asişti la o multiplicare infinită a unor detalii repetitive. Se repetă istoria trădărilor şi a vărsării de sânge, a desconsiderării femeilor în manuscrisele cronicarilor, dar şi a gloriei acestor femei ce au ştiut să devină indispensabile datorită inteligenţei. Ce nu se repetă din păcate este anvergura vizionarismului liberal demonstrat de aceşti moguli ce au visat să oprească şuvoiul intoleranţei şi al fanatismului care a sufocat multă vreme Orientul, ţinându-l captiv într-un stadiu de înapoiere faţă de Occidentul filosofilor şi al artiştilor subversivi.

Deşi au fost scrise cu secole în urmă, versurile, impesiile şi memoriile împăraţilor moguli, ale soţiilor şi ale fiicelor acestora sunt de mare actualitate prin valoarea umanistă. Ideile vizionare nu se demodează niciodată, şi nici interesul pentru artă, care a înflorit sub domnia mogulilor, aşa cum a fost ea, cu progrese, dar şi cu multe acte de cruzime adesea motivate de nevoia de a se apăra de ferocitatea rivalilor ce râvneau la tron.

Citeşte şi The Cinema Travellers – Vei privi altfel India

Top 5 filme despre India

The Cinema Travellers – Vei privi altfel India

Top 5 filme despre India

Wonder Wheel – Un rasfat vizual oferit de Woody Allen

Prin noul său film, proiectat în premieră (în România) la American Independent Film Festival 2018, Woody Allen continuă să îşi răsfeţe spectatorii prin calităţile vizuale date de paletă cromatică generoasă. Dar în Wonder Wheel parcă s-a întrecut pe sine. Alternanţa dintre culorile senine precum o zi de vară în care te scalzi în timp şi nuaţele potrivite unei reverii nocturne pe plaja părăsită de turişti, unde îndrăgostiţii îşi pot face în sfârşit confidenţe, este pur şi simplu fermecătoare.

Wonder Wheel este un film în care deznădejdea cea mai adâncă pluteşte în marea de culori seducătoare ale verii, iar vara personajelor din film este una ce invită la evaziunea hrănită prin defilarea iluziilor. Asemenea ultimelor filme regizate de Woody Allen, vei vedea ideile serioase despre marile drame umane luând forma unor discuţii superficiale într-un loc însorit, în timp ce plimbările fără ţintă în care se trăieşte prezentul fluid în culori vesele pot conduce la nişte revelaţii interesante despre natura umană.

Începutul filmului îţi dă impresia că eşti luat din sala de cinema şi aşezat confortabil pe unul din şezlongurile ce populează până la refuz faimoasa Coney Island în plin sezon. Ca spectacolul vizual să fie şi mai intens pentru visători, Woody Allen ţi-a pregătit un sejur însorit pe vesela Coney Island aşa cum era în anii ’50. Nu de alta, dar ştie că abia aştepţi un film care să te scoată din prezentul ce te consumă într-un ritm năucitor, încât nu le poţi rezista imaginilor vintage capabile să recreeze un timp mai duios prin farmecul desuet al culorilor saturate ce transmit frenezia unei zile de vară.

foto: www.news.com.au/Amazon Studios

În Wonder Wheel trăieşti o zi de vară pe care o vezi în cărţile poştale ce îţi arată eleganţa oamenilor de altădată prin nuanţele de bezea ce roiesc în jurul unui parc de distracţii amenajat lângă plajă, cu nelipsitul carusel. Acest carusel permite intrarea în scenă a seducătoarei Carolina (Juno Temple). Ea este fiica lui Humpty (Jim Belushi), nimeni altul decât bărbatul care supraveghează caruselul. Mai bine zis, fiica rătăcitoare, care a fugit de acasă pentru a se mărita cu un gangster, de care mai nou vrea să se ascundă, apelând tocmai la ajutorul tatălui pe care l-a dezamăgit şi care a renegat-o.

foto: www.news.com.au/Amazon Studios

Tatăl are acum un fiu adoptiv, cu tendinte de piroman, şi o soţie pe nume Ginny (Kate Winslet) ce poate fi considerată o actriţă ratată, dar care visează la gloria de altădată în timp ce încearcă să pară credibilă în noul rol de chelneriţă la restaurantul unde serveşte scoici. Pentru a uita de existenţa alături de vulgarul ei soţ, Ginny îşi caută un salvator, dar se trezeşte în vâltoarea unei iubiri presărate cu scene de gelozie şi teama de abandon, trăită alături de mai tânărul Mickey, salvamarul interpretat de Justin Timberlake, ce aminteşte de tipologia charming boy din filmele vechi.

Nu este deloc greşit să spui că personajele intră în scenă, chiar dacă este vorba despre un film, deoarece marile drame, speranţe şi deziluzii sunt prezentate ca printr-o încercare de a găsi acel amestec genial ce poate face dintr-o piesă de teatru o capodoperă. Nu Woody Allen încearcă să scrie aceasta piesă, ci şarmantul Mickey, interpretat de Justin Timberlake. El este un salvamar care la finalul verii îşi continuă studiile masterale pentru a se specializa în dramaturgie.

foto: www.thelondoneconomic.com/film/Amazon Studios

Woody Allen doar conturează personajele şi le aruncă în situaţiile încâlcite, gata să fie exploatate de aspirantul Mickey. Sunt clasicele situaţii din filmele sale ce oscilează între tensiune şi degajarea oferită de calităţile vizuale care favorizează acel gen aparte de profunzime adesea mascată de lejeritatea ce-ţi opreşte alunecarea în adâncurile apăsătoare ale personajelor. Şi în acest film Woody Allen a vrut să te scalzi în frumuseţea locului ales pentru a plasa dramele, fie care este vorba despre Roma, Paris, Barcelona sau o plajă desprinsă din vederile ce amintesc de moda anilor ’50.

De la înălţimea scaunului de salvamar, personajul ce se visează dramaturg nu vrea să salveze pe nimeni din valurile propriei nefericiri. El doar colecţionează stări şi drame, provocând un conflict între mama vitregă, ce se teme de bătrâneţe precum o starletă uitată, şi tânăra fiică având toate calităţile unei protagoniste ce poate deveni capul de afiş în piesa amantului ei, că doar a fost capabilă să-i sucească minţile şi unui gangster (Woody Allen ţine să ne amintească şi de latura tulbure a unei Americi urbane postbelice marcate de ascensiunea mafiei în anii ’50, însă doar atât cât să ne dea acea mică doză de suspans pentru a nu ne plictisi pe plaja însorită).

Datorită salvamarului Mickey, devenit personajul ce se viseazăun mare dramaturg, Wonder Wheel mai poate fi considerat şi un film care transpune ludic ideea că viaţa reală şi ficţiunea se contopesc în mintea visătorilor. Prin aluziile erudite, Woody Allen iniţiază un joc derutant, între omagiul adus marilor clasici ai modernităţii şi parodia ce vizează mai degrabă percepţia cabotinilor asupra lor.

foto: www.clevescene.com/cleveland/Amazon Studios

Aşa cum te-a obişnuit în ultimele sale filme, Woody Allen reuşeşte să redea farmecul unui loc efervescent, ce apare frecvent în fanteziile spectatorilor ce visează la frenezia unei vacanţe într-o capitală faimoasă din altă ţară sau în locuri din alte timpuri. Prin aceste filme se apropie de regizorii ce îţi pot creea iluzia că biletul de cinema devine de fapt biletul pentru o călătorie. Dar face acest lucru fără a-ţi lăsa impresia unei butaforii, nici măcar atunci când te duce în decorurile altor epoci. Atmosfera din Coney Island, unde se petrece acţiunea filmului, nu îţi lasă impresia dezamăgitoare provocată de reproducerea artificială a unui loc din anii ’50, în care totul pare o imitaţie exagerată, de la figuranţi până la accesoriile vestimentare şi la decorurile ce transformă autenticitatea în extravaganţa unui pictorial fashion mai putin reuşit.

În Wonder Wheel, regizorul îţi dă iluzia că te afli chiar acolo, în Coney Island, un loc regăsit aşa cum îl vrea el. Este o iluzie dătătoare de speranţe pentru spectatorii ce preferă un film 2D care pledează pentru ingeniozitatea regizorului de a facilita imersiunea în atmosfera locului unde se desfăşoară povestea personajelor, în defavoarea imixtiunii unor inovaţii tehnice revoluţionare, care propovăduiesc binefacerile 3D.

Văzând acest film, ai impresia că ziua pe o plajă din anii ’50 este cât se poate de reală. Că simţi adierea brizei în luminile apusului, ca asişti la dialogurile amuzante sau tensionate ale personajelor în timp ce pe fundal se desfăşoară duios trecerea de la culorile vii ale amiezei la cele misterioase ale înserării. Poţi spune că adevăratul personaj ce asigură succesul filmului este lumina, ce îi da glas fiecărui moment al zilei. Lumina care se prelinge candid sau intempestiv nu doar exprimă stările personajelor, ci are rolul de a-i permite spectatorului să intre în atmosfera filmului amintindu-şi propriile senzaţii trăite într-o zi de vară pe malul mării, când soarele dogoritor îl obliga să caute un local umbros, înotând prin mulţimea estivală forfotitoare, când nostalgia îl făcea să aprecieze un parc de distracţii ce aducea mai degrabă a bâlci în culori stridente, când apusul îl invita la visare sau când o zi înnorată îi permitea să guste din voluptatea răgazului pe care îl oferă de obicei o plimbare solitară pe malul mării, pentru limpezirea gândurilor.

Poţi spune că în Wonder Wheel, Woody Allen reuşeşte să-ţi ofere acea experienţă cinematografică menită să invite la evadarea din propriul cotidian prin imagini frumoase, apropiindu-te în acelaşi timp de realitatea apăsătoare care se încăpăţânează să le joace farse oamenilor plini de visuri. Astfel de oameni sunt şi personajele sale, fragile precum cele din piesele dramaturgilor americani ce au revoluţionat literatura secolului XX (şi pe care Woody Allen îi omagiază în acest film prin multiple aluzii mai mult sau mai puţin subtile). Şi nu întâmplător am pomenit de omagiul adus marilor dramaturgi americani precum Eugene O’Neill. Vei descoperi că în scenele decisive, în care tensiunea escaladează imprevizibil, chipurile personajelor şi decorurile încăperilor sunt scăldate de cuceritorul joc de lumini care face trecerea de la roşul aprins, cu tentă senzual-misterioasă, la un albastru ce exprimă inocenţa vulnerabilă şi melancolia la care invită un parc de distracţii pe malul mării, la sfârşitul sezonului.

foto: www.thedigitalfix.com/film/Amazon Studios

Această dozare seducătoare şi tulburătoare a luminii aminteşte de un spectacol de teatru ajuns la scena în care tensiunea atinge apogeul şi în care personajele dau toate cărţile pe faţă, în timp ce modificarea intensităţii luminii şi a culorilor devine un artificiu ce branşează lumea interioară a spectatorului la zbuciumul afectiv al personajelor, la emoţiile ce se ghicesc dincolo de replicile acestora. Însă Woody Allen reuşeşte să transmită dramele universale ale oamenilor ce nu pot deveni ceea ce îşi doresc – drame ce au dus la naşterea dramaturgilor de geniu din America secolului XX – fără a te face să simţi claustrarea lor într-un mediu ce devine o capcană pentru personajele care adesea fac parte din lumea celor marginalizaţi, esuaţi la periferiile insalubre ale metropolelor americane în plina transformare sau în culisele tenebroase ale unor locuri asociate cu distracţia.

Datorită luminozităţii estivale, nu devine copleşitioare povestea familiei din care nu lipsesc acele clasice tipologii vulnerabile – bărbatul ce îşi maschează prin brutalitate fragilitatea, îngustimea minţii şi neputinţa de a duce acel trai îndestulat ce devine un simbol al virilităţii în societatea americană postbelică pregatită să pună mare preţ pe afirmarea de sine şi pe etalarea succesului în marile oraşe, femeia pe care trăsăturile senzuale o pregăteau pentru o viaţă strălucitoare, dar care se ofileşte într-un mediu strâmt ce nu îi oferă decât rolul de gospodină ce trebuie să îşi drămuiască atent pauperitatea, tânărul ce oscilează asemenea multor americani între dorinţa de a se afirma onorabil prin studii înalte şi ispita unei existenţe palpitante, în care experienţa este cel mai bun profesor la şcoala vieţii, şi tânără pe care îmbinarea dintre farmec şi naivitate o aruncă în lumea bărbaţilor şarmanţi din lumea interlopă.

foto: www.businessinsider.com/Amazon Studios

Prin reacţii comice deviate spre caricatural şi prin ironia candidă, Woody Allen reuşeşte să evite până la capăt amărăciunea sufocantă a omului învins într-o societate care începea să construiască un mit artificial al eroului. Regizorul încearcă totodată să contureze veridic acele personaje ce populează lumea dramaturgilor precum O’Neill, Tennessee Williams şi Arthur Miller. Prin alegerea actorilor care amintesc de tipologiile marginalilor ce ajung în prim-plan datorită acestor dramaturgi, Woody Allen nu propune doar o revizitare mai puţin apăsătoare sau o replică mai puţin zguduitoare a unei dramaturgii iconice pentru cultura americană. Regizorul invită senin la o reflectare asupra modului în care aceşti dramaturgi, prin şubrezirea miturilor din societatea postbelică, au influenţat de fapt noua cinematografie, care propunea o abordare mult mai francă, mai realistă a dramelor umane.

Nu puţini vor fi spectatorii care vor descoperi în spatele personajelor o aluzie la metehnele şi obsesiile unui creator gata să colecţioneze dramele celor din jur, pe care să le exploreze, apoi să le exploateze. Personajul interpretat de Justin Timberlake ar putea fi la fel de bine un alter ego în varianta caricaturală, demitiza(n)tă a oricărui regizor/autor ce încearcă să îşi imagineze cum este privit din afară, cuprins adesea de teama de a nu fi considerat un cabotin ce face din tragediile profunde nişte simple melodrame pline de clişee. De asemenea, obsesia salvamarului pentru vieţile ieşite din comun, pe care să le transforme în sursă de inspiraţie, devine şi o trimitere spre influenţa cinematografiei asupra modului în care ajung să fie exprimate şi percepute sentimentele şi relaţiile interumane în viaţa de zi cu zi.


LYTE video

Citeste şi Caractere atipice – Tom Hanks a devenit scriitor

Caractere atipice – Tom Hanks a devenit scriitor

The Sower (Le Semeur) – Un barbat pentru toate femeile singure

Clasica poveste a străinului care vine să tulbure vieţile femeilor dintr-o aşezare liniştită este reinterpretată într-un film de epocă atipic, inclus în secţiunea competiţională a Festivalului Filmului Francez 2018. Acest film, intitulat Le Semeur, impresionează prin imagini ce transformă în tablouri contemplative acele scene în care trăirile se dezlănţuie sau în care pătrunzi în intimitatea afectivă a personajelor.

Prin imaginile picturale cuceritoare, regizoarea Marine Francen vorbeşte despre sexualitatea femină într-o poveste ce se petrece într-o eră în care acest subiect era un tabu, însă nu şi pentru locuitoarele unui sat francez din secolul al XIX-lea. Acestea nu ezitau să îşi asume şi apoi să îşi împărtăşească fanteziile. Nu se temeau nici măcar de consecinţele deciziilor scandaloase când peisajele pitoreşti ce invită spectatorul la reverie deveneau pentru ele imaginea claustrării, a lipsei de speranţă. Speranţa şi pofta de viaţă au fost alungate din universul lor după ce toţi bărbaţii satului au fost arestaţi şi duşi departe ca pedeapsă pentru implicarea lor în revoltele organizate împotriva nepotului marelui Napoleon – cunoscut sub numele de Louis-Napoleon Bonaparte (Napoleon III) – care se visa noul împărat al Franţei, reprimând opozanţii adepţi ai republicii.

Când se trezesc fără bărbaţii care ar fi trebuit să le confirme feminitatea şi să le permită să devină mame, personajele feminine ale filmului Le Semeur îşi pierd sensul existenţei. Fiecare zi ce trece de la arestarea soţilor sau iubiţilor le aminteşte dureros de speranţele zădărnicite prin absenţa celor ce le-ar fi oferit fericirea la care sperau majoritatea femeilor din acele vremuri şi care nu era posibilă fără un bărbat care să le ia de neveste. Fetele bune de măritat s-ar fi lăsat pradă unei disperări ce ar fi putut deveni agonizantă dacă nu le-ar fi venit ideea salvatoare ce urma să încălce orice normă a educaţiei puritane din acele vremuri: transformarea primului bărbat care va nimeri în satul lor în partenerul tuturor.

Bărbatul aşteptat cu atâta ardoare ar fi trebuit să îi ofere fiecăreia copilul visat, însă mai toate fetele nemăritate din sat recunosc în sinea lor că marele scop al acestui străin în care îşi pun toate speranţele ar fi satisfacerea curiozităţii legate de prima experienţă sexuală. Una dintre cele pentru care prezenţa unui bărbat este legată de o astfel de curiozitate este tânăra Violette, devenită personajul feminin principal. Ea este prima care va fi remarcată de Jean (Alban Lenoir), străinul misterios nimerit în satul femeilor singure. Cei doi se apropie datorită pasiunii comune pentru lectură (Violette este singura femeie din sat care ştie să citească).

Interpretată de Pauline Burlet, Violette este o variantă atipică a fecioarei delicate, inocente şi neştiutoare. Deşi ai avea tendinţa să afirmi că revezi aceeaşi tipologie a tinerei naive, care nu este conştientă încă de farmecul exercitat asupra bărbatului uns cu toate alifiile, modul în care Marine Francen construieşte personajul te va surprinde. În filmul ei, virginitatea, inocenţa şi prima iubire nu fac parte dintr-un scenariu în care lipsa experienţei sexuale devine un semn al vulnerabilităţii feminine cauzate de genul acela de educaţie regidă menită să condamne libertatea senzuală. Nici Violette, nici vecinele ei aflate la vârsta primelor experienţe sexuale nu sunt ignorante în totalitate. Îşi cunosc trupul şi nu se tem de senzaţiile pe care morala austeră le condamnă. Rămase neconsolate şi debusolate în satul depopulat şi izolat, protagonistele îşi demonstrează că ştiu să-şi urmărească planurile asumându-şi un curaj neverosimil pentru femeile din acea perioadă, considerate, azi, de noi a fi ireal de supuse.

Acest film de epocă apreciat datorită calităţilor vizuale strâneşte curiozitatea datorită unei poveşti neverosmile, dar care atrage tocmai deoarece i se pare spectatorului greu de imaginat, mai ales într-o anumită epocă. Este genul de poveste bazată pe acel amestec ispititor între dorinţe nemărturisite ce evoluează imprevizibil, rivalităţi feminine ce permit infiltrararea suspansului şi un personaj masculin carismatic. Însă trebuie să ştii că scenariul a plecat de la o poveste reală, mărturisită în cartea L’homme semence, ce a fost scrisă la peroana I de o femeie pe nume Violette Ailhaud, care a trăit povestea personajului feminin central – Violette. Paginile scrise au fost ascunse multă vreme şi lăsate de autoare ca moştenire femeilor din familia ei. Manuscrisul a putut fi citit abia în 1951, la un secol după evenimentele reale.

Un punct forte al regizoarei a fost abilitatea de a prezenta credibil o poveste incredibilă pentru acele vremuri în care femeile nu cunoşteau emanciparea. Credibilitatea este dată tocmai de captarea vitalităţii şi frumuseţii unui tărâm pitoresc luat în stăpânire de femeile ce se lasă pradă unei dorinţe de necontrolat, unei anarhii a simţurilor ce are loc în paralel cu situaţia politică marcată de răsturnarea vechii ordini. În acest loc pictural, feminitatea descătuşată poate să respire în voie, iar orice gând curajos, considerat nebunesc, devine firesc pentru ele, tocmai deoarece evenimentele ce zguduie Franţa sunt unele nefireşti pentru a mai fi respectată vechea lege patriarhală.

Nu vezi în spaţiul populat de personajele feminine acele elemente ce devin stâlpii complicităţii patriarhale opresive, care înfierează de obicei libertatea. Nu există un preot care să le inoculeze culpabilitatea în faţa dorinţelor sexuale. Nu se mai fac auzite nici măcar vocile mamelor care să vegheze castitatea fiicelor susţinând interdicţiile habotnice. Aşadar nu este nimeni care să tragă semnalele de alarmă cu scopuri moraliste. Ai putea spune că femeile pot face tot ce le taie capul odată rămase fără bărbaţii satului, aşteptand nerăbdătoare să se arunce în braţele străinului.

Nimerit în satul unde guvernează noua anarhie feminină, până şi personajul masculin devine imprevizibil pentru spectator. Interpretat de Alban Lenoir, bărbatul ce soseşte în satul lui Violette este mai puţin dispus să îşi exteriorizeze adevăratele intenţii, spre deosebire de personajele feminine ce devin din ce în ce mai expansive când se lasă pradă freneziei senzuale. El pare să deţină un rol pasiv, arătându-se copleşit de asaltul dorinţelor feminine. Ritualul ademenirii erotice are loc pe fundalul naturii aflate în sezonul fertilităţii. Vei vedea astfel o desfăşurare de tablouri cu femei care trimit ocheade în timp ce bărbatul le umple ulciorul cu apă sau care pândesc nerăbdătoare printre spicele de grâu ce amintesc de scenele din tablorile lui François Millet.

Le Semeur impesionează prin acumularea lentă a tensiunii şi prin ritmul domol ce le oferă personajelor feminine răgazul de a-şi conştientiza schimbările, dorinţele şi senzaţiile transmise de propriile corpuri. Dorinţa se insinuează treptat în activităţile rutinei campestre, însă are momente decisive în care ajunge de nestăvilit, schimbând vieţi. Mijloacele vizuale ce transpun această dorinţă strecurată printre activităţile de zi cu zi ale personajelor feminine înlocuiesc realismul apăsător al acelor ani tulburi cu scene demne de tablouri bucolice în culori vii, calde. Lumina ce scaldă languros peisajele creează multe alăturări cromatice plăcute ochiului, trimiţând la picturile marilor peisagişti ai secolului XIX.

Filmul va fi însă dezamăgitor pentru cei ce îşi imaginau o desfăşurare năucitoare a sexualităţii şi a rivalităţilor feminine. Lipsesc imaginile incandescente şi ţesătura complicată a intrigilor. Dorinţele nu se transformă într-un vulcan devastator, ci se desfăşoară molcom. Evenimentele imprevizibile ce ar fi putut scoate la suprafaţă pulsiunile de nestăvilit într-un mod tulburător şi trepidant sunt înlocuite de succesiunea blândă a cadrelor picturale ce transmit simboluri vagi referitoare la universul personajelor.

Folosindu-se de scenele ce seamănă cu nişte picturi în care fiecare detaliu neînsufleţit devine un simbol ce trădează senzual gândurile şi emoţiile ascunse, regizoarea a urmărit mai degrabă să stârnească empatia spectatorului decât o evoluţie spectaculoasă a poveştii ce promitea multe conflicte suculente. Nu este un film de acţiune, însă dozarea tensiunii alungă plictisul asociat de obicei scenelor ce descriu rutina satului arhaic, unde libertatea manifestărilor individuale este limitată de lupta pentru supravieţuire.

Eclipsarea laturii narative de scenele statice dar care se dovedesc a fi vitale pentru imersiunea în psihologia colectivă a protagonistelor nu reduce intensitatea filmului şi nu îi dă spectatorului impresia că a pierdut timpul. Dimpotrivă, acest debut în lungmetraj de ficţiune îi va face pe mulţi să aştepte cu nerăbdare viitoarele filme semnate de Marine Francen.

Vor fi încântaţi mai ales fanii acelor cineaste dornice de a transpune universul feminin în situaţii exceptionale, insolite, prin alegerea unor protagoniste ale căror trăiri secrete palpită în medii ce pot fi percepute drept aride, copleşitoare pentru libertatea afectivă. Atenţia pentru detaliile picturale, abordarea laborioasă a scenelor ce includ confesiunile personajelor femine şi proiecţia sentimentelor tulburătoare asupra imaginii idealizate ale unui personaj masculin îi vor duce pe mulţi cu gândul la filmele de epocă regizate de Sofia Coppola, mai ales la recentul The Beguiled, premiat la Cannes.

Cu toate că diferă modul în care evoluează dinamica relaţiei dintre personajele femine după apariţia bărbatului asupra căruia îşi proiectează dorinţele şi fanteziile, dar şi modul în care se detaşează de tabloul colectiv protagonista mai sofisticată, devenită preferata personajului masculin, filmele The Beguiled şi Le Semeur au în comun uimirea pe care o produc în rândul spectatorilor prin trăsăturile de caracter ale personajelor feminine. Atât Marine Francen, cât şi Sofia Coppola ştiu cum să extragă clişeele atât de prezente în filmele de epocă despre femeile îndrăgostite şi prezentate mai mareu ca fiind neajutorate când se trezesc ameninţate de şuvoiul emoţiilor ce pot atrage blamul colectiv, deviind aceste clişee spre o nouă direcţie mai puţin familială. Ambele regizoare au reuşit să combată prejudecăţile şi miturile privind modul în care femeile îşi asumau (sau negau) plăcerile înainte de revoluţiile sexuale din secolul XX.


LYTE video

Citeşte şi The Beguiled – Răstoarnă miturile dintr-un film de epocă despre femeia îndrăgostită

Top 10 filme de epocă

The Beguiled – Rastoarna miturile dintr-un film de epoca despre femeia indragostita

Top 10 filme de epoca pe care trebuie sa le vezi

 

Faces Places (Visages Villages) – Doi artisti pe care i-ai vrea si pe strada ta

Faces Places (Visages Villages), prezentat în premieră naţională în cadrul One World Romania 2018, merită din plin toate laudele care i s-au adus, de la Cannes până pe continentul Oscarului.

Visages Villages este un film de-a dreptul încântător, cu şi despre oameni frumoşi din generaţii diferite, care te inspiră în timp ce îţi dau şi ţie o felie generoasă din pofta lor viaţă. Iar definiţia omului frumos din acest film include dorinţa de a se bucura de creativitatea şi originalitatea ce se cer neapărat împărtăşite prin formele de artă ce transformă satele şi oraşele uitate sau zonele industriale dezolante în experimente vizuale jucăuşe.

Documentarul nominalizat la Premiile Oscar, care va intra în cinematografele din România pe 29 iunie 2018, redă întâlnirea fructuoasă dintre doi oameni creativi – o mare cineastă (Agnes Varda) şi un enigmatic artist urban (JR). Împreună transformă zidurile în fresce inedite, ce îi scot din anonimat pe oamenii obişuiţi. Ei vor în primul rând să te facă să vibrezi, să apreciezi frumuseţea clipei şi a lucrurilor considerate efemere dar care pot lăsa impresii de neşters. Îţi vor plăcea ideile lor dacă la rândul tău eşti un căutător de poveşti aflate între două lumi: una a naturii ce a refuzat să se predea în faţa timpului, cealaltă a peisajelor industriale care abia aşteptau timpul pentru a-l domina, apoi pentru a se lăsa devorate de el până la stadiul de ruină.

Văzând ce pot face o mare cineastă devenită un simbol al modernizării filmului francez în era lui Godard şi un artist contemporan nonconformist îţi vine să aduni o gaşcă de oameni veseli şi plini de idei pentru a umple de culoare şi desene simpatice toate zonele cenuşii, abandonate şi neprietenoase din oraşul tău. Visages Villages nu numai că îi redă spectatorului încrederea în puterea lui de a-şi înfrumuseţa oraşul, de a redefini spaţiul public, asupra căruia să îşi pună amprenta, dar îi reaminteşte şi de puterea creativităţii de a conecta oameni diferiţi. Filmul devine astfel o pledoarie nu doar pentru arta murală urbană, ci şi pentru legătura vitală dintre această formă de exprimare a creativităţii, manifestul transformator şi memoria oraşelor, a cartierelor părăsite sau a comunităţilor date uitării.

foto: www.festival-cannes.com

Cinefilii îndrăgostiţi de inconicii regizori Nouvelle Vague se vor declara vrăjiţi de manifestul vizual, ludic şi optimist al lui Agnes Varda. Jucând rolul artistului intrat în ultima perioadă a vieţii, însă la fel de surprinzător ca în anii tinreţii, cineasta le oferă admiratorilor ei bucuria de a o regăsi la fel de modernă şi dornică de a capta energia şi prospeţimea degajate de ideile artistice progresiste. În Visages Villages îşi arată acea latură a personalităţii ce o face să semene cu genul de copil pus pe şotii, ori de câte ori îi dă replica mult mai tânărului JR.

foto: Rollercoaster PR

Visages Villages mai poate fi considerat şi un road trip luminos pentru visătorii care nu pot respira fără artă. Agnes Varda şi JR ating toate corzile sensibile ale neobosiţilor aflaţi mereu în căutarea unor locuri care să-i inspire, fie că este vorba de peisaje în care lumina permite nişte întâlniri cromatice uimitoare, sau de clădiri abandonate ce respiră stranietatea ce-şi aşteaptă artiştii contemporani să o absoarbă, să o transforme. În acest documentar arta se transformă şi transformă. Descoperi o formă de artă plină de umor, melancolie, ghiduşie şi dorinţa de a-i face nemuritori pe anonimi, chiar şi atunci când ea însăşi nu se poate sustrage efemerului.

Succesul şi valul de simpatie trezit în rândul spectatorilor se datorează şi transformării acestui documentar într-un road trip, deoarece imaginea artistului rătăcitor, ce trăieşte la intensitate maximă fiecare clipă şi fiecare întâlnire cu anonimii pe care poveştile de viaţă îi scot însă din anonimat, face apel la nevoia fiecăruia de a i se confirma existenţa unor oameni calzi şi plini de umor duios, ce pot înfrumuseţa lumea în care trăim. Pentru a infrumuseţa această cu ajutorul oamenilor pe care îi întâlnesc, regizoarea Agnes Varda şi artistul urban JR nu au nevoie decât de o dubiţă şi de culori.

Dubiţa se transformă într-o cabină foto pe durata călătoriei prin ţinuturile pitoreşti sau industriale ale Franţei. Oamenii sunt invitaţi înăuntru pentru a fi fotografiaţi. După fotografiere, imaginea ia forma unei picturi murale datorită ideilor lui JR, care transformă străzile oraşelor în galerii de artă dedicate celor ce le însufleţesc – locuitorii. Rezultatul: o imagine ce face o pictură aparte dintr-un om pierdut în aglomeraţia colectivă. Este o pictură expresivă, candidă şi plină de umor, demnă de a fi postată pe site-urile şi paginile de Facebook dedicate artei urbane ce le permite locuitorilor să îşi revendice mult mai creativ spaţiul public.

foto: Rollercoaster PR

Timp de aproape 90 de minute simţi că sala de cinema devine un orizont deschis, o galerie în aer liber. Un oraş minier ce şi-a trăit gloria în alte vremuri şi în care au mai rămas puţini devine dintr-un loc dezolant o expoziţie vie de chipuri. În locul clasicelor pânze sunt folosite casele de cărămidă ajunse ţinta dezvoltatorilor imobiliari ce vor să rupă zona de trecutul industrial. Pe zidurile acestor locuinţe, Agnes Varda şi JR imprimă chipurile dârze, aprige şi uneori melancolic-duioase, în care abrutizarea celui ce înfruntă întunericul terifiant din adâncul minei dispare şi îi face loc expresivităţii ce invită la descoperirea nuanţelor sufleteşti şi la compasiune. Tranformând şirul de case într-o galerie de street art, ai vrea să întrebi dacă nu cumva JR şi Agnes Varda au vrut să contracareze mitul celui abrutizat din romanele naturaliste. Prin zidurile transformate în spaţiu de expunere, Agnes Varda şi JR restaurează demnitatea pierdută a unei lumi.

foto: Rollercoaster PR

Nu doar spaţiile industriale abandonate devin sursa de inspiraţie pentru cei doi artişti,  ci şi locurile vii. Spectatorii vor vedea ingeniozitatea celor doi când se hotărăsc să transforme într-o frescă neconvenţională povestea angajaţilor dintr-o companie. Privind această pictură murală, unii şi-ar imagina o nouă formă de team building sau de întărire a relaţiei de ataşament dintre omul actual şi locul de muncă. Nu sunt uitate nici femeile ce au acceptat joburi atipice pentru ele. Unele dintre cele mai simpatice şi orginale fresce sunt cele dedicate angajatelor de pe şantierul naval din Le Havre. Este vorba despre acele femei care manevrează utilaje dificile şi care nu se tem să îşi asume responsabilităţi ce implică riscuri. Acestea îţi păstrează feminitatea într-o lume despre care se spune că este potrivită doar pentru forţa şi determinarea bărbaţilor. Feminitatea lor este celebrată de Agnes Varda şi de JR în picturile murale ce transformă aspectul monoton al unui şantier într-o galerie veselă şi primitoare.

foto: https://www.cineman.ch/en/movie/2017/VisagesVillages/gallery.html

Documentarul Visages Villages este demersul unor artişti care vor în primul rând să te facă să vibrezi, să apreciezi frumuseţea clipei şi a lucrurilor efemere care pot lăsa impresii de neuitat. Îţi va plăcea dacă la rândul tău eşti un căutător de poveşti aflate între două lumi: una a naturii ce a refuzat să se predea în faţa timpului, cealaltă a peisajelor industriale care abia aşteptau timpul pentru a-l domina, apoi pentru a se lăsa devorate de el până la stadiul de paragină.

foto: https://www.cineman.ch/en/movie/2017/VisagesVillages/gallery.html

Având informaţii despre identitatea artistică a celor doi protagonişti, ai putea să te aştepţi la un contrast între o lume veche şi alta nouă, cu viziuni diferite asupra menirii unui om creativ. Însă contrastul dintre generaţii se dovedeşte a fi de fapt o colaborare şi o simbioză creativă reconfortantă pentru cinefilii fascinaţi atât de generaţia lui Godard, cât şi de noile direcţii ale artei contemporane. Îţi dai seama de talentul de a se reinventa al regizoarei devenite celebră datorită filmului Cleo de 5 a 7 abia când o pui alături de un artist nonconformist al zilelor noastre, ce ia cu asalt zidurile pentru a schimba oraşele, făcând din zonele dezolante adevărate galerii, accesibile tuturor. Acest artist se numeşte JR şi este cunoscut datorită artei sale ce transformă chipurile anonimilor în portrete supradimensionate expuse pe zidurile din Kenya, Brazilia, Paris ori New York.

Interesată de arta lui JR, al cărui chip enigmatic îi aminteşte de bunul ei prieten Godard datorită ochelarilor fumurii la care JR nu vrea să renunţe (ochelarii îi apără aura de mister), Agnes Varda îţi demonstrează că marii cineaşti nu şi-au trăit gloria doar într-o anumită epocă apusă, fiind capabili de a se reinventa prin înţelegerea şi reinterpretarea personală a unor stiluri noi. Când străbate Franţa-n lung şi-n lat alături de JR, într-o dubiţă ce devine o cabină foto, Agnes Varda captează acea plutire a frumuseţii în clipa efemeră ce aşteaptă chipuri memorabile, aşa cum făceau şi colegii ei în filmele Nouvelle Vague. Chipurile sunt fotografiate, apoi sunt transformate de JR în portrete supradimensionate pe care le imprimă pe zidurile caselor abandonate, pe hambare, pe şantiere navale sau pe construcţiile industriale.

foto: Rollercoaster PR

Tot ce le-ar părea un moft locuitorilor ostili în faţa artei contemporane ce transformă spaţiul public într-un teren de joacă, plin (uneori) de culori ţipătoare, devine în acest documentar magie şi nostalgie. Agnes Varda transmite voluptatea acelei nostalgii ce rămâne după clipele petrecute în inima unui peisaj/spaţiu care îţi promite iluzia unui paradis atemporal regăsit, apoi lăsat în urmă, Tot la astfel de loc se reîntoarce şi Agnes Varda, pentru a-i povesti pişicherului JR cum şi-a descoperit ea pasiunea pentru artele vizuale fotografiind nuduri masculine în decorul straniu al unor case părăsite (vei vedea fotografii de artă impresionante, realizate în anii primelor ei filme).

Întâlnirea cu JR, un artist reprezentativ pentru noua generaţie, mai este folosită de Agnes Varda şi ca pretext pentru a crea discret o punte necesară pentru memoria colectivă, între prezent şi un trecut al căror artişti vizionari şi-au pus amprenta asupra viitorului. Trecutul este revizitat prin aluzii pline de candoare şi nostalgie ce aduc în prezent o scenă antologică din filmul Bande a part, regizat de Jean-Luc Godard. Aşadar, poţi spune că filmul aduce nu numai pe ecran, ci şi în faţa lui, două generaţii de cinefili. Unii sunt adepţi ai vizionarismul imaginat de artiştii actuali, ceilalţi suspină precum nişte îndrăgostiţi după filmele din anii ’60, la care mulţi artişti ai prezentului încă se mai închină, recunoscându-le puterea de a deschide toate acele drumuri fertile prin abordarea neconvenţională a subiectelor ce incită interesul oamenilor din toate timpurile.

Citeşte şi articolul 6 filme actuale care te invită la o hoinăreală prin oraş

Top filme de călătorie – pentru drumeţii curajoşi

6 filme actuale care te invita la o hoinareala prin oras

Top filme de calatorie- Inspiratie pentru drumetii curajosi

Antonio Lopez 1970: Sex Fashion & Disco – Te vei indragosti de acest film

Magnetic, sexy, efervescent, sensibil şi plin de neastâmpărul molipsitor al culorilor hipnotice la modă în anii ’60 -’70. Aşa poate fi descris filmul dedicat de James Crump iconicului Antonio Lopez, considerat autorul unor ilustraţii de modă ce au schimbat estetica revistelor de profil, dar şi modul în care designerii vizionari îşi prezentau creaţiile. Vei descoperi o personalitate cuceritoare, readusă în atenţia publicului printr-un documentar care îţi trasmite pofta de viaţă şi setea de culori ale lui Antonio Lopez.

Una dintre surprizele ediţiei din 2018 a Bucharest Fashion Film Festival, Antonio Lopez 1970: Sex, Fashion & Disco are tot ce şi-ar dori de la un documentar oricine este interesat să descopere o personalitate ravisantă din lumea modei, care şi-a lăsat amprenta asupra unei epoci. În primul rând ia informaţiile biografice esenţiale şi le expune prin acel mix seducător de elemente vizuale ce devin un răsfăţ pentru retină şi care, în stilul acelor ani inovatori, îmbină pictura modernă cu arta fotografică, astfel încât să te facă să-ţi doreşti să fi avut talentul unui designer sau a unui fashion illustrator nimerit în plină desfăşurare a eliberării de convenţii. În al doilea rând are acea mare calitate de a te vrăji, permiţându-ţi trecerea de la cotidianul personal spre lumea lui Antonio Lopez. Astfel, poţi spune că lui James Crump i-a reuşit ceea ce îşi doreşte orice regizor printr-un asemenea documentar: transformarea sălii de cinema într-un spectacol flamboaiant asociat cu tot ce avea lumea modei mai creativ şi avangardist în anii revoluţiei sexuale. Acest spectacol îţi dă iluzia că te înfrupţi curajos dintr-o felie de paradis al ispitelor, la care doar artiştii provocatori au avut acces.

Antonio Lopez a fost aşa cum te aştepţi să fie orice artist atras de strălucirea modei şi de posibilităţile pe care le oferă, acelea de a jongla cu limite, culori, prejudecăţi, tabuuri şi graniţe: nesăţios. Şi nu este un cuvânt gratuit. Prietenii lui îi descriu privirea nepământeană din timpul creaţiei. Ochii prin care privea obsesiv modelele feminine le dădeau impresia că dorea să aspire tot ce era mai frumos în jurul lui. Când desena, privirea lui Antonio Lopez căuta mereu cu voracitate frumuseţea.

Foto: Trailer Addict/Dogwoof/sexfashiondisco.com

Viaţa lui Antonio Lopez a însemnat acea întâlnire dintre euforia hedonistă, originalitatea vizionară, instinctul cromatic, abilitatea de a intregra noile schimbări de mentalitate, libertatea şi libertinajul devenit un stimulent pentru creativitate, şi un mare apetit pentru excesele erotice. Este genul de întâlnire fertilă dar şi copleşitoare, ce devine scopul multor artişti ce au forţat limitele estetice ale epocii lor.

Regizorul şi-a propus să-l prezinte pe Antonio Lopez asemenea unui zeu adulat de marii designeri ce au revoluţionat moda începând cu anii ’60. Şi pentru a te face să înţelegi cât de intens a ştiut el să trăiască spre deosebire de pământenii de rând, îţi prezintă şi paradisul transformat în curtea lui de joacă. Paradisul era de fapt acea perioadă în care omenirea a fost încurajată parcă mai mult ca niciodată să trăiască dezinhibat, să se revolte împotriva convenţiilor, să exploreze senzualitatea şi graniţele fluide dintre identitatea masculină şi cea feminină, şi să o expună în cel mai obraznic mod cu putinţă, însă întotdeauna prin artă.

În acest paradis al anilor nebuni, odată cu Antonio Lopez au fost primiţi cu braţele deschise şi cei marginalizaţi din cauza unui stil extravagant catalogat drept strident, a reputaţiei sau a preferinţelor sexuale considerate până atunci scandaloase. Lopez a pus etucheta de cool pe tot ceea ce majoritatea respinsese până atunci. I-a transformat astfel în trendsetteri pe cei respinşi, priviţi până atunci asemenea exponatelor din cabinetul de curiozităţi.

foto: bucharestfashionfilm.ro

Ajungând în lumea desenată de Lopez, tipologiile umane blamate ieşeau din umbră, fiind propulsate direct în mijlocul petrecerii în culori electrice, la care dorea să participle toată lumea. Ilustraţiile lui captau vraja acestei petreceri nesfârşite în care se transformaseră anii în care el a cunoscut gloria. O petrecere în care decadenţa avea elemente glam, iar strălucirea avea chipul modelelor ce aruncau priviri neruşinate.

Ilustraţiile lui Antonio Lopez nu semănau cu nimic din ceea ce s-a putut vedea până atunci într-o revistă de modă care se respecta sau într-o reclamă ce promova o nouă colecţie. Privindu-le, îi descoperi talentul de a simţi curentul epocii sale, care îi cerea să înlocuiască rafinamentul demodat, ce amintea de luxul saloanelor pariziene somptuoase, cu obrăznicia liniilor nesupuse a desenelor ce înlocuiau feminitatea expusă gomos în desenele fashion de altadată cu noua feminitate emancipată, devenită sinonimul asumării încrederii în sine şi în propria sexualitate. Lopez a promovat femeile cu trăsături atipice, deloc perfecte, însă expresive, misterioase şi debordând de energia irezistibilă a celei ce nu se teme de propria forţă sexuală.

foto: sexfashiondisco.com

Moda îşi revendica statul de artă inovatoare, încurajată de artiştii pop-art precum Warhol şi de influenţa din ce în ce mai puternică a unor designeri precum Yves Saint Laurent sau Karl Lagerfeld. Lopez s-a format într-o perioadă în care designerii părăseau lumea atelierelor pentru a schimba percepţia despre creatorii de modă. Noua generaţie a designerilor, care a marcat anii ’60 şi ’70, nu se mai regăsea în imaginea croitorului discret. Ei au devenit rapid noii privilegiaţi ai vieţii mondene, având aura strălucitoare a unui star pregătit să joace rolul de idol al unei generaţii.

Poţi spune despre Antonio Lopez că fost pentru lumea modei ce a fost Warhol pentru cea a picturii, datorită stilului reflectat de ilustraţiile sale din revistele de modă şi culorilor electrice, dezinhibate precum noul ideal feminin. Documentarul te face să-l admiri şi să-l invidiezi datorită şansei de a se naşte în cea mai bună perioadă pentru inovatorii fără pudoare, o perioadă pe care personalităţile creative lansate după Al Doilea Război Mondial şi-au revendicat-o, ajungând s-o modeleze.

Prin desenele sale, Antonio Lopez a reuşit să influenţeze cercurile înalte şi exclusiviste din lumea modei, la care doar monştri sacri alături de preferaţii lor aveau acces. A fost hotărât să remodeleze percepţia asupra feminităţii pe care a vrut-o un simbol al noii revoluţii sexuale. În ilustraţiile sale, feminitatea degaja o energie provocatoare fără precedent. Spre deosebire de mulţi artişti, Lopez şi colaboratorul său Juan Ramos, de care îl lega o relaţie puternică, nu şi-au transformat modelele ce pozau pentru ilustraţiile lor în obiecte sexuale dispensabile.

Lopez a fost adulat de femei, mai ales de modele, deoarece le-a şlefuit frumuseţea atipică, le-a făcut să îşi descopere personalitatea puternică dincolo de imaginea din revistă. Multe dintre modelele ce i-au pozat şi-au dezvoltat cariere puternice în alte domenii, unele ajungând actriţe consacrate, cum a fost şi Jessica Lange, descoperită tot de Lopez.Invitate de regizor să povestească detalii captivante din relaţia lor cu Antonio Lopez, aceste modele te vor face să te îndrăgosteşti de el. Le-a fost prietenul perfect, pe umărul căruia puteau să plânge, fratele protector, colegul petrecăreţ, sculptorul cu fler ce scoatea la suprafaţă cele mai frumoase ipostaze ale fiecăreia. Lopez era la fel de tandru pe cât era de libertin, iar succesul şi răsfăţul de care avusese parte în lumea modei nu l-au transformat într-un snob cu purtări de tiran irascibil, care să îşi terorizeze modelele până la distrugerea încrederii în sine.

Prin alegerea modelelor feminine reprezentând frumuseţea ieşită din tiparele perfecţiunii de păpuşă a la Dior, Antonio Lopez se arăta preocupat de şlefuirea lor şi de scoaterea la suprafaţă a trăsăturilor ce le făceau să pară mai mult decât nişte manechine. Legătura dintre acesta şi modele era atât de sudată, încât mulţi au scris pagini întregi despre cele numite şi fetele lui Lopez, aluzie la titlul serialului popular în acea perioadă, Charlie’s Angels.

La magnetismul filmului contribuie din plin talentul regizorului de a pune în valoare fotografiile îndrăzneţe ale unor artişti iconici. Imaginile îţi permit accesul în lumea intimă a lui Lopez, o lume unde tandreţea şi sensibilitatea erau îmbrăcate în hainele copiilor teribili ce scandalizau, preferau culorile ţipătoare şi efemerul incandescent. Imaginile documentarului te fac să simţi vibraţia ameţitoare şi voluptatea unei epoci în care se crea aşa cum se şi trăia: nebuneşte, intens, pătimaş. Antonio Lopez a tradus pofta de viaţă şi de libertate a epocii sale printr-o sete de nuanţe orbitoare, o sete pe măsura apetitului erotic insaţiabil ce devenise motorul oricărui ideal artistic din anii ’60-’70.

Lopez nu ar fi fost ceea ce a fost fără posibilităţile oferite de perioada în care a creat, devenită simbolul unei emancipări ce revendica dreptul la plăcerea experimentată fără graniţe, întâlnindu-se adesea cu viciul, decadenţa autodistructivă şi cu excesele convertite într-un apetit sexual mărit, pe care Lopez îl transformase în creativitate. Şi nici anii ’60-’70 nu ar fi rămas în istorie fără artiştii vizuali de talia lui Lopez, ce au transformat apetitul pentru excese în curiozitate, deschidere avangardistă şi manifest. Lopez a făcut un spectacol estetic revigorant din marea petrecere dusă la limita orgiei în care se transformaseră anii revoluţiei sexuale.

Insistând asupra elementelor estetice asociate anilor ’60 şi ’70, din New Yorkul atelierelor şi al cluburilor de noapte devenite nişte temple ale libertinilor, unde se propovăduia toleranţa în raport cu diversitatea de orice fel, până în Parisul extravagant devenit un teritoriu disputat de rivalii Yves Saint Laurent şi Karl Lagerfeld, regizorul îţi arată faţa necunoscută a multor personalităţi din lumea modei ce l-au venerat pe Lopez. Îl vei descoperi, în fotografii şi filmări de arhivă, pe un Karl Lagerfeld exuberant şi seducător, aşa cum puţini îl stiu. Alături de elitele din lumea modei, Lopez a reuşit să absoarbă precum un burete binefacerile unei perioade în care se dădeau petreceri nebuneşti, dar în care marii designeri aveau o la fel de mare poftă de artă. Îndrăzneala lor creativă, deşi părea iconoclastă, avea o bază consistentă bazată pe o cultură solidă. Această îmbinare dintre euforia senzuală şi interesul pentru artă i-a făcut pe mulţi să reconsidere anii revoluţiei sexuale şi să recunoască meritele copiilor teribili de atunci.

Tonul nostalgic al celor ce s-au lăsat seduşi de Antonio Lopez – de la critici la modele şi colaboratori – pune într-o lumină inofensivă apetitul erotic transpus în culori electrice. Văzute după trecerea anilor, toate acele fotografii considerate scandaloase în epoca lui Lopez par jocurile unor copii îndrăzneţi dar sensibili şi visători precum nişte naivi, care ştiau să facă artă din ceea ce alţii ar fi făcut mai degrabă o vulgaritate vandabilă.

Erotismsul exibat de modelele alese de Lopez şi de ilustraţiile acestuia sunt expresia unei pofte de viaţă pe care o răspândea cu şarmul unui magician. Având un tată pasionat de ezoterism, Antonio Lopez a conectat pasiunea pentru modă cu dorinţa oamenilor de a se lăsa vrăjiţi, hipnotizaţi, de a se abandona într-un ritual extravagant, pe care nu îl pot regăsi în ritmul monoton de zi cu zi. Mişcările febrile din momentele în care desena şi dependenţa de ringul de dans au fost mijloacele prin care Lopez a transmis în profesia aleasă dorinţa de a vrăji, de a crea voluptate.

Pasionat de dans, Lopez folosea transa din ring pentru a stimula creativitatea. Asemenea multor contemporani, folosea ritmurile eclectice devenite nişte declaraţii languroase ale dorinţelor provocatoare pentru a absorbi energia şi pentru a o transmite. Se inspira din ritmul oraşelor şi al cluburilor de noapte. De altfel, coloana sonoră joacă un rol esenţial pentru succesul acestui documentar, care presupune seducerea şi transpunerea cuceritoare a spectatorului în universul lui Antonio Lopez. Vei descoperi aşadar o foarte bună sincronizare a imaginilor cu piesele de rezistenţă ale anilor ’70, cântate de iconicii Donna Summer, Marvin Gaye, Evelyn “Champagne” King sau Isaac Hayes.


LYTE video

Citeşte şi David Bowie Is – Un documentar special

Laurence Anyways – Drame captive într-o fantezie plină de culorile anilor ‘80

David Bowie Is – Un documentar special

Laurence Anyways – Drame captive intr-o fantezie plina de culorile anilor ‘80

In the Fade – O transformare imprevizibila a unui subiect de actualitate

Văzând multipremiatul In the Fade, poţi spune că Fatih Akin a găsit acea reţetă care ajută un film despre urmările rasismului de tip neo-nazist să-şi facă auzit mesajul într-un Occident care începe să conteste din ce în ce mai răspicat validitatea, utilitatea şi legitimitatea corectitudinii politice.

Reţeta presupune evitarea mesajelor clişeistice prin dozarea inteligentă a tensiunii psihologice şi prin inspiratul amestec al elementelor ce fac dintr-un film o experienţă pe care nu o uiti usor. Aceste elemente folosite de Fatih Akin, care permit scufundarea bruscă în universul tulburător al personajelor, sunt: intensitatea emoţională plină de autenticitate, redată printr-o convingătoare interpretare actoricească, veridicitatea abordării temei de actualitate astfel încât să permită şi intervenţia atipicului dătător de noutate, alternanţa dintre acalmia raţionalului şi revolta explozivă, legătura dintre colectiv şi individual şi escaladarea reacţiilor imprevizibile asociate de obicei unui thriller.

Dorind să atragă un semnal de alarmă asupra atacurilor neo-naziste din cartierele cu imigranţi, regizorul alege povestea unei văduve germane care vrea să fie pedepsiţi de justiţie conaţionalii de extramă-dreapta ce i-au ucis copilul şi soţul de origine kurdă. Întregul ei demers justiţiar devine un pretext foarte bine exploatat de regizor pentru a introduce temele fierbinţi ale sociatăţii germane/occidentale în relaţie cu imigranţii şi cu marginalii, astfel încât să nu fie considerat părtinitor sau moralist de către vocile ostile mesajelor ce încurajează diversitatea.

De fapt, construirea personajului feminin pe nume Katja este esenţial pentru dozarea mixului de elemente ce asigură devierea filmului de la reţeta previzibilă. Katja, interpretată de actriţa Diane Kruger (Premiul pentru cea mai buna actrita la Cannes, în 2017), trece printr-o serie de transformări emoţionale derutante ce surprind spectatorul prin escaladarea insolita a durerii şi a furiei şi prin deznodământul neprevăzut al planurilor sale, deşi demersul ei părea destul de predictibil la începutul filmului.

foto: Cinepolitica/Independenta Film

Pentru a-i atrage în sala de cinema pe cei ce se declară sătuli de filmele care pledează pentru acceptarea imigranţilor, precum şi pe cei ce amintesc mereu de infracţiunile imigranţilor pentru a-i combate pe idealiştii multiculturalismului, Fatih Akin are un as în mânecă, pe care îl valorifică abil şi credibil: un personaj din rândul imigranţilor ce strârneşte reacţii contradictorii şi care nu se face uşor de acceptat de către spectator. Acest personaj de origine kurdă (asasinat de rasişti) este construit realist, cu bune şi rele. El corespunde portretului demonizat al imigrantului barbar ce ameninţă viaţa tihnită a europenilor civilizaţi, testând limitele toleranţei şi alimentând puterea de convingere a dreptei extremiste.

Regizorul alege să se îndepărteze de imaginea imigrantului fragil şi inocent. Amintind de păcatele din tinereţe ale victimei neavând origine germane– trafic de droguri şi legături cu lumea interlopă – Fatih Akin schimbă conflictul dintre occidentalii rasişti şi străinul vulnerabil în conflictul dintre occidentalii intoleranţi şi imigrantul care a depus eforturi pentru a se reabilita după o călătorie prin lumea afacerilor subterane. Încercările străinului dubios de a fi un cetăţean model şi un tată cu valori occidentale, ce îşi înscrie copilul la cursuri de vioară, sunt zădărnicite de un atac neo-nazist.

Paradoxal, regizorul pledează credibil împotriva prejudecăţilor alegând tocmai un personaj care în ochii multora confirmă aceste prejudecăţi: orientalul cu apucături de infractor. Şi cum să-l facă să empatizeze cu victima pe spectatorul occidental speriat de mesajele şi reportajele despre barbarii din Est, care transformă străzile civilizate ale Occidentului în no-go zones, cu traficanţi periculoşi? Folosindu-se de jocul oferit de actriţa Diane Kruger, ce o interpretează expresiv şi tulburător pe Katja, văduva traficantului kurd. Revoltată că autorităţile vor să devieze ancheta despre motivele crimei spre zona reglărilor de conturi din lumea interlopilor turci, nicidecum spre cea a rasismului german, nemţoaica va scoate la suprafaţă, prin amintiri pline de candoare, trăsăturile umane ale soţului kurd reabilitat.

foto: Cinepolitica/Independenta Film

Jocul actoricesc al lui Diane Kruger este unul derutant care, printr-o economie de cuvinte şi acţiuni, îţi alimentează interesul şi te ţine atent de la început până la final. Personajul feminin atrage datorită oscilaţiei ambigue între ipostaza femeii epuizate de apăsarea pierderii celor mai dragi fiinţe şi luptătoarea care ia problemele în propriile mâini, debordând de energia revoltatei.

Acest personaj feminin este la rândul lui unul ce amână simpatia imediată şi artificială a spectatorului. Ea nu corespunde imaginii mamei impecabile. Totuşi, îl atrage pe spectator de partea ei datorită plierii acţiunilor şi trăsăturilor sale pe modelul tinerei debusolate, consumatoare de droguri, dar care se maturizează odată cu asumarea responsabilităţilor materne. Diane Kruger reuşeşte să-l branşeze pe spectator la emoţiile personaului interpretat, să-l facă să vadă lumea prin ochii protagonistei.

Vei aprecia la Diane Kruger modul în care ştie să pună în valoare calităţile şi contradicţiile personajului său, care te cucereşte prin amestecul dintre carismă, perseverenţa calculată, spontaneitate năvalnică, vulnerabilitatea ce poate fi luată drept imaturitate şi forţa interioară din momentele zguduitoare, ce pot pulveriza integritatea psihică a oricui ar trece printr-o asemenea tragedie. Toate aceste trăsături revigorează tensiunea filmului plin suspans, fără a fi nevoie de un fir narativ dinamic şi încărcat. Reacţiile personajului feminin sunt suficiente pentru a-ţi capta interesul datorită unei treceri derutante de la apatia celei ce şi-a pierdut sensul vieţii la energia explozivă prin care îşi mobilizează întreaga forţă pentru a-şi duce până la capăt planul de pedepsire a vinovaţilor.

Interpretarea plină de autenticitate a unui astfel de personaj feminin este vitală pentru caracterul imprevizibil al filmului şi mai ales pentru evoluţia atipică a unui scenariu care, până la un punct, mizează pe acceptarea unui ritual coerent al dreptăţii căutate în sala de tribunal, în urma unui proces. Introducerea avocatului Danilo (Denis Moschitto), prietenul personajului kurd asasinat de neo-nazişti, te păcăleşte. Actiunile lui Danilo şi relaţia lui cu protagonista îţi dau impresia că vei asista la clasicul film ce aminteşte de un documentar minimalist în care problemele sociatăţii actuale se rezolvă prin lupta cu sistemul şi prin aducerea în sala de judecată a unei probleme care de multe ori este băgată sub preş ori rezolvată prin mijloace ilegale, precum reglarea de conturi. Însă reacţiile văduvei răscolite de revoltă spulberă aşteptările spectatorului dându-i demersului raţional justiţiar o cu totul altă direcţie, una anarhică, dificil de anticipat la început.

Modul în care Fatih Akin îşi construieşte personajul feminin poate fi interpretat drept o replică uşor caustică dată filmelor ce demonstrează că vocile celor ce vor să se facă dreptate pot fi auzite prin curajul şi perseverenţa care pun presiune asupra autorităţilor. Fatih Akin ar fi înclinat altfel balanţa dintre drama individuală si captarea realităţii sociale colective, dacă ar fi urmat paşii unui film hollywoodian despre lupta pentru dreptatea celor deveniţi victimele rasismului şi în care apare şi figura mistificată a avocatului tenace şi loial, ce reuşeşte să combată argumentele taberei rasiste. Dar ar fi riscat astfel să afecteze relaţia puternică dintre spectator şi personajul feminin tocmai prin renunţarea la acele faţete ale protagonistei ce îi oferă filmului caracterul memorabil zguduitor pe măsură ce demersul de pedepsire a vinovaţilor se apropie de final.

Decizia de o scoate pe Katja în afara travaliului de doliu, ce include prezenţa cathartică în sala de tribunal unde se împarte dreptatea, şi de a o arunca direct în haosul propriei lumi afective răvăşite de moartea brutală a soţului şi a copilului îi dă câştig de cauză spectatorului interesat mai degrabă de metamorfozele psihologice ale personajului decât de abordarea ce aminteşte de filmele americane cu procese.


LYTE video

Citeşte şi The Woman Who Left – Răzbunare, iertare şi revenirea la filmul de artă

Aquarius – Cum luptă o braziliancă

The Woman Who Left – Razbunare, iertare si revenirea la filmul de arta

Aquarius – Cum lupta o brazilianca

 

Piatra azvarlita nu se mai intoarce sau despre cum sa nu ramai blocat in decizii irationale

Ai găsit apartamentul ideal și ești gata să devii proprietar. Cu o zi înainte de a semna antecontractul, după ce ai plătit evaluarea și ai făcut o serie de formalități bancare, proprietarul îți impune câteva condiții suplimentare legate de termenele de plată și alte aspecte administrative.

Deși nu ești pe deplin convins, fiind vorba de niște aspecte marginale pe lânga preț, care rămâne neschimbat, decizi să mergi mai departe cu tranzacția ? (bazându-te pe raționamentul că oricum ai investit deja timp și bani în acest proces). Majoritatea dintre noi răspund afirmativ în fața unui astfel de scenariu decizional, iar datele empirice ne spun că asta ne poate costa foarte mult pe termen lung.

Care este explicația?

Pentru a ajunge la răspuns, și la investițiile iraționale, facem un mic ocol.

Cel care a inventat zicala cu piatra azvârlită avea în mod clar potențial de economist. Ce vrea sa ne transmită această vorbă din popor este faptul, aparent extrem de banal, că ceea ce s-a consumat (o anumită resursă în cazul original) nu se mai poate recupera, iar deciziile noastre n-ar trebui să mai ia în calcul aceste valori.

Aceasta este esența unui principiu botezat pe scurt dilema costurilor scufundate sau, mai laic, a costurilor irecuperabile, pe care nu îl apreciem prea mult tocmai din cauza simplității sale.  În schimb, îl vedem ilustrat din plin în fel și fel de exemple prozaice: ai mers la un film si dupa primele 10 minute ti-ai dat seama ca e absolut ingrozitor. Dacă rămâi să vezi tot filmul doar pentru ca ai plătit deja biletul, te afli exact în aceeași situație în care decizi să cumperi apartamentul doar pentru că ai plătit o evaluare bancară și niște comisioane.

Dacă încă nu te-a convins înțelepciunea românească, să știi că și cea americană transmite exact același mesaj, pornind tot de la viața de zi cu zi: n-are niciun rost să plângi după laptele vărsat. Și, dacă ar fi să continuăm raționamentul: a-ți baza viitoarele deciziile alimentare pe acest fapt, este în mod clar lipsit de raționalitate (economică).

Probabil încă pare complicat și nu se leagă pe deplin: apartament, piatră aruncată, lapte vărsat. Costurile irecuperabile sunt însă atât de versatile încât cu puțină perseverență găsim multe alte situații pentru care studiile experimentale ilustrează cu prisosință același modus operandi. Adică acționăm sistematic în baza aceluiași tipar.

  1. Iei cina la restaurant și ți s-a adus un fel de mâncare ce se dovedești a nu fi în totalitate pe placul tău. Îl mănânci doar pentru că l-ai plătit deja?
  1. Te-ai înscris la un curs de limbi străine, unde realizezi după primele 2-3 întâlniri că metodele de predare sunt sub așteptările tale. În situația în care nu îți poți recupera taxa, vei continua să-l frecventezi?
  1. Ai început să lucrezi la un proiect complex și datorită unor schimbări importante în domeniul de activitate începi să conștientizezi că șansele de succes sunt de fapt foarte mici. Îl duci până la capăt pentru că deja ai investit mult efort? (de pildă guvernul francez și cel britanic au procedat exact așa în procesul de dezvoltare al avionului Concorde, un eșec remarcabil, cu consecințe dramatice)
  1. Ai învățat să utilizezi un soft de analiză statistică însă între timp a apărut un program cu un potențial mult mai mare de dezvoltare și implementare. Preferi să lucrezi în cel vechi pentru că ți-a luat deja mult timp să te familiarizezi cu el?

Toate exemplele aduc în discuție faptul că acceptarea unei pierderi este o mare provocare cognitivă, iar în încercările noastre extreme de a evita sentimentele așa de neplăcute cădem pradă unor riscuri și mai mari. În plus, ancora cognitivă este dublată și de investiția emoțională care însoțește adesea consumul de bani, timp și energie. Economiștii comportamentali ne spun că dezvoltăm un tip de efect de proprietate nu doar asupra obiectelor pe care le deținem (sau suntem aproape de a le deține, precum în cazul apartamentului) ci și asupra proiectelor și ideilor noastre. Asta înseamnă că le valorizăm mult mai mult comparativ cu aprecierea care ar rezulta dintr-un proces obiectiv de evaluare (adică dacă am evalua același proiect dar aparținând altcuiva). În consecință, aversiunea față de pierderea lor capătă o și mai mare intensitate.

Rezolvarea unei astfel de situații devine și mai complicată pe măsură ce trece timpul și ne confruntam cu o spirală amețitoare: dacă am ignorat semnalele de alarmă și am continuat să investim o bună perioadă într-o proiect ineficient, într-un soft nu tocmai performant sau într-o pregătire profesională irelevantă, poate totuși nu e momentul să ne oprim acum și merită să mai sperăm la o infimă probabilitate care să ne salveze.

Specialiștii în științe politice ne oferă un exemplu concludent care să ne țină departe de această justificare prin faptul că acest efect este adesea invocat pentru a explica de ce SUA a petrecut atât de mult timp în războiul din Vietnam, luptând pentru ceea ce părea destul de clar a fi o cauză pierdută. Conform acestor opinii, pe măsură ce numărul soldaților ce și-au pierdut viața în conflictul armat a început să crească, retragerea trupelor a devenit din ce în ce mai puțin probabilă tocmai de teama de a nu transmite mesajul că acei soldați au murit în van. Prin urmare, mai mulți soldați au fost trimiși în Vietnam, numărul morților a crescut și retragerea a devenit din ce în ce mai puțin fezabilă.

Acest gen de raționalizare (nu raționalitate) este o strategie adesea utilizată inconștient în soluționarea cazurilor de disonanță cognitivă – acea tensiune pe care o resimțim atunci când există o nepotrivire între convingerile și comportamentul nostru. În mod concret, rezultatele experimentelor psihologice arată că dacă depunem mai mult efort în rezolvarea unei sarcini apăsătoare, apare o schimbare la nivel cognitiv și sarcina este re-evaluată într-un mod mai favorabil (deci nu o mai percepem ca fiind atât de apăsătoare). Făcând apel tot la zicale, strugurii sunt mai acri sau mai puțin acri nu în funcție de conținutul lor ci de capacitatea noastră de a ajunge la ei.

De partea cealaltă însă, dacă reușim să rezistăm și să înțelegem că laptele e deja vărsat și piatra este definitiv pierdută, avem șanse foarte mari să ne minimizăm costurile de oportunitate și să ne valorificăm timpul într-un mod mult mai folositor, care să compenseze pe termen lung pierderea inițială.

Morala: viata incepe acum, nu într-un mod hedonist de tipul “trăiește clipa“ ci mai degrabă într-un spirit prospectiv în care deciziile tale trebuie sa tina cont într-o mult mai mare măsură de viitor și nu de ceea ce intră deja în registrul trecutului. Nu vom putea ști niciodată dacă achiziționarea apartamentului s-ar fi dovedit sau nu o afacere bună, însă în mod sigur bias-ul costurilor scufundate te va pune la încercare și în alte contexte.

Ida. La comedie burgeoise – Doua femei interbelice

Irene Nemirovsky a fost o deschizătoare de drumuri în proza psihologică feminină. În Parisul anilor ’20 şi ’30 s-a alăturat scriitoarelor care începeau să vorbească fără pudoare, în fraze subversiv-incandescente, despre aspiraţiile şi trăirile nemărturisite ale femeilor. Nemirovsky şi-a asumat ca nimeni alta în epoca ei curajul de a capta universul feminin la răscrucea dintre conformism şi emanciparea interbelică. Şi a făcut-o printr-un stil seducător, sofisticat şi tulburător, dând dovadă de o maturitate precoce şi un simţ al observaţiei deopotrivă empatic şi sfredelitor.

În povestirile şi nuvelele sale Nemirovsky surprinde ipostaze feminine ispititoare şi tulburătoare, a căror biografie este demnă de un roman consistent. Două dintre aceste proze scurte au fost extrase din volumul Films parles. Este vorba despre Ida şi La comedie burgeoise, care nu numai că demonstrează talentul lui Irene Nemirovsky de a capta portrete feminine din medii cu valori aflate în conflict, ci şi atitudinea ei diferită faţă de unele tipologii umane. Cu femeile decadente, ce devin vedetele strălucitoarei şi devoratoarei vieţi de noapte pariziene, se dovedeşte a fi mai empatică, în ciuda unei turnuri necruţătoare pe care o iau evenimentele pregătite acestora. În schimb, cu burghezele nefericite pare a fi neiertătoare.

Ida şi Madeleine din La comedie burgeoise ar fi trebuit să aibă sorţi diferite, însă cruzimea societăţii faţă de libertatea şi demnitatea feminină le pregăteşte o destinaţie asemănătoare: nefericirea. Ida este o vedetă de cabaret ofilită, care se agaţă cu ultimele puteri de gloria de altădată pentru a nu fi înlocuită de rivalele mult mai tinere. Ea ascunde un trecut ruşinos, ale cărui amintiri ies la suprafaţă prin flashbackuri având ecouri nebănuite chiar la premiera unui spectacol. Deşi încă mai ştie cum să joace rolul vedetei adulate de spectatorii teatrelor de revistă sau ai cabaretelor interbelice, perioada ei de celebritate este la apus.

În cealaltă povestire descoperi o femeie pe nume Madeleine, aflată la adăpost de jocul măririi şi al decăderii din Parisul interbelic. Spre deosebire de Ida, Madeleine vine dintr-o familie bună, care face parte din burghezia ce stă departe de tentaţiile Parisului. Madeleine duce viaţa celei măritate cu un bărbat capabil de a conduce o afacere prosperă, însă nu se poate bucura de bunăstare deoarece existenţa ei devine o farsă. Mai bine zis, viaţa ei este marcată de rutina burgheză a celei având o reputaţie impecabilă şi un soţ infidel cu preferinţe amoroase ne-burgheze, mereu consumate în afara căminului impecabil. Monotonia îi este zguduită de două elemente: apariţia unui bărbat ce îi arată calea spre o ieşire din această rutină descrisă apăsător, satiric şi dezolant de Irene Nemirovsky, şi revolta muncitorilor din frabrica soţului ei.

De fapt, prin dramele femeilor din cele două nuvele descoperi o Franţă într-o continuă transformare. În Ida se face trimitere la efemerul vieţii de noapte pariziene şi la transformarea urbană a Franţei prin venirea imigranţilor cu aspiraţii de artist. În această nuvelă observi interesul lui Irene Nemirovsky pentru viaţa tipologiei feminine ce asistă la surparea propriei glorii. Ida este simbolul unui Paris la care visează mulţi dintre cei ce suspină când văd fotografiile alb-negru. Regăseşti un Paris al contrastelor. Acel Paris deopotrivă generos şi meschin, care promite să le întâmpine cu braţele deschise pe străinele cuceritoare precum Ida, însă plin de admiratori nestatornici, gata să profite de ocazia de a sfâşia o divă aflată în declin, aceeaşi divă pe care au adulat-o cândva.

În cea de-a doua nuvelă, intitulată La comedie burgeoise, sunt reflectate mult mai clar schimbările sociale ce iau prin surprindere o burghezie anchilozată, incapabilă de a înţelege noile idealuri ale oamenilor din secolul XX. Această nuvelă este o caricatură sufocantă a unei clase sociale ce se opune schimbării şi care lâncezeşte într-un conservatorism sinonim cu nefericirea personajelor feminine. Drama lui Madeleine reflectă scindarea dintre Franţa progresistă şi cea tributară vechilor idealuri ale claselor privilegiate, anticipând ciocnirile de mentalităţi din anii ’50 şi ’60.

Aceste două nuvele te vor face să cauţi mai multe cărţi scrise de Irene Nemirovsky, despre care unii critici au afirmat că poate fi considerată o Françoise Sagan a perioadei interbelice, datorită subiectelor îndrăzneţe ce prezentau tipologii feminine care încălcau scandalos valorile conservatorismului burghez.

Citeşte şi 10 cărţi interesante găsite în librăria franceză Kyralina

10 carti interesante gasite in libraria franceza Kyralina

 

Mic dejun la Tiffany – Despre o femeie mereu surprinzatoare

Mic dejun la Tiffany este genul de carte despre care ţi se spune că nu mai are nevoie de nici o prezentare, dar care invită fiecare nouă generaţie de cititori să adauge propria interpretare. Niciodată nu-şi va pierde farmecul, prospeţimea şi capacitatea de a seduce.

Stilul acestui microroman reflectă fapt reţeta de seducţie a faimoasei protagoniste Holly Golightly, ce va fi asociată mereu cu imaginea iconicei Audrey Hepburn. Reţeta are la bază combinaţia irezistibilă dintre mister, versatilitatea de cameleon, eleganţa, cochetăria plină de naturaleţe şi candoarea reconfortantă ce se regăseşte la graniţa dntre adolescenţă şi maturitate. Holly Golightly foloseşte acest amestec de trăsături pentru a strecura cu tact şi ghiduşie replicile evazive cu privire la originile umile şi la vârsta ei reală. Născoceşte biografii paralele fără a părea o impostoare, ci mai degrabă o adorabilă ştrengăriţă, stilată şi inofensivă.

Holly era simbolul noii generaţii de tinere venite de nicăieri pentru a-şi construi noua identitate în metropolele americane. Prin intermediul ei, Truman Capote glorifica pentru eternitate imaginea efemerelor mondene cu statut social volatile. Acestea au învăţat pe cont prorpiu să-şi urmeze visurile nebuneşti profitând mai ales de avantajele tinerei suspendate într-o etapă nesigură, ce îi permite însă mimarea lejerităţii care o ajută să facă din propria identitate evazivă o scenă pe care defilează o multitudine de ipostaze feminine.

Holly Golightly, deşi este un personaj de ficţiune, poate rivaliza cu modelele folosite de revistele de modă pentru a crea şi hrăni visuri aspiraţionale sclipitoare. Meritul lui Truman Capote a fost acela de şti să dozeze calităţile enigmatice ale unui personaj feminin captivant astfel încât să-i transforme trucurile şi minciunile într-un joc al ambiguităţii care se cere interpretată, dar care descurajează abil demascarea. A coagulat apoi toate aceste calităţi într-un simbol ce nu se va demoda niciodată: acela al femeii care se reinventează, care se reconstruieşte pentru a scăpa de un trecut apăsător fără a-şi pierde farmecul sau fără a-şi sacrifica frenezia provocatoare.

Flerul lui Truman Capote l-a ajutat să înţeleagă dorinţa feminină de reinventare dincolo de capriciile adesea catalogate drept semne ale unor aspiraţii superficiale. În perioada lansării cărţii, nevoia personajului său feminin de a se reinventa se suprapunea peste expansiunea modei în viaţa cotidiană a omului lipsit de privilegii, ca urmare firească a obsesiei pentru imagine, comună oamenilor din toate timpurile, şi a nevoii de evaziune prin remodelarea identităţii. Un personaj precum cel inventat de Truman Capote nu putea apărea decât în America primei jumătăţi a secolului XX, unde marea discrepanţă între rural şi urban transforma frustrările în fantezii sclipitoare ale vieţii rafinate în marile oraşe.

Holly Golightly a pus în practică dorinţa omului actual de a se reconstrui pentru a deveni ceea ce îşi doreşte să devină: o apariţie transformată într-o poveste care să-l scoată din mulţime, care să-l prezinte drept o persoană mereu interesantă. Nu întâmplător ea a fost inventată de un scriitor ce a lăsat Sudul provincial pentru acel New York devenit noua metropolă ce domina lumea. Truman Capote a cunoscut New Yorkul într-o perioadă în care arta pop îi dădea fiecăruia iluzia vizibilităţii şi a popularităţii, iar dorinţa de a construi măşti sociale din ce în ce mai dezirabile ducea la dezvoltarea noilor profesii şi industrii ce vindeau visuri.

Pentru cei ce au fost contemporani cu Truman Capote, Mic dejun la Tiffany a devenit oglinda epocii lor. Alţii au văzut o consemnare ludică a naşterii miturilor asociate New Yorkului plin de fast (dar şi de promiscuitate), transformat într-un Babilon al extravaganţei pusă la dispoziţia unei noi generaţii de mondeni adepţi ai huzurului sclipitor. Nu puţini au fost cei ce au văzut o parabolă chic-inteligentă despre feminitate, vanitate şi iluzie în marile furnicare urbane ce ascund capcane pentru cele abia ieşite din adolescenţă şi atrase de promisiunea gloriei. Însă este o parabolă ce nu pedepseşte. Dimpotrivă, justifică subversiv şi încurajează anarhia afectivă şi nestatornicia personajului central.

Protagonista lui Truman Capote leagă trăsăturile devenite emblematice pentru universul feminin arhetipal de oportunităţile moderne oferite de o epocă generoasă cu visătorii ce au ştiut să joace multe roluri. Sub luxul plin de frivolitate la care ea tânjea, mesajele profunde capătă lejeritatea strălucitoare a unui cocktail într-un local elegant din Manhattanul anilor ’40, nişte ani în care New Yorkul, devenit paradisul lui Holly, cunoştea o nouă transformare ce avea să-i consolideze gloria.

New Yorkul era ceea ce americanii numesc the place to be pentru cameleoni, pentru starletele având ambiţii solide şi identităţi volatile şi pentru efemerele frumuseţi venite de nicăieri pentru a deveni veritabile socialites demne de a fi menţionate în paginile revistelor glossy. Un astfel de cameleon era şi ispititoarea Holly Golightly, pe care succesul în lumea înaltei societăţi, unde putea trece drept o curtezană extrem de selectivă, nu o transformase în imaginea unei femme fatale cu aer de vampă blazată şi vanitoasă. Dimpotrivă, Holly Golightly îşi păstrase duioşia copilei nimerite într-un mare oraş, cu un bagaj de visuri şi tristeţi, pe care le recunoştea numai în prezenţa vecinului cu aspiraţii de scriitor, devenit şi personajul-narator.

În ochii personajului masculin îndrăgostit de ea şi care începe să rememoreze perioada în care el si Holly Golightly au fost vecini, protagonista devine simbolul convieţuirii unor ipostaze de neîmpăcat: a inocentei cu mondena senzuală, a indiscretei dezinvolte cu misterioasa fragilă, a copilei cu femeia sofisticată. Poţi spune că Truman Capote a vrut să jongleze cu trăsăturile asociate în memoria colectivă cu femeia-zeiţă, blamată şi bănuită de tranzacţionarea farmecelor, mai mult sau mai puţin subtil.

Dacă mulţi autori ar fi transformat-o pe Holly Golightly într-o curtezană modernă, adaptată la secolul XX, Truman Capote s-a încăpăţânat să întreţină ambiguitatea cu privire la statutul ei. O prezintă mai mereu înconjurată de bărbaţi din lumea bună, dintre care unii îi devin protectori, însă nu vei şti clar dacă face parte din categoria vânzătoarelor de plăceri. Până şi replicile ei te derutează, deoarece, pe măsură ce i se confesează vecinului devenit naratorul poveştii ei, pasajele în care ea este descrisă asemenea unei adolescente fragile şi inocente vin să modifice imaginea celei atrăgătoare ce avea un comportament scandalos.

Holly stăpâneşte întregul arsenal util seducătoarei: ştie cum să mintă, cum să îşi pună în valoare farmecele. Totodată, reuşeşte să dea dovadă de o francheţe nebănuită, însă doar în faţa vecinului devenit prieten. Pentru acest vecin, Holly este un copil mare, aruncat într-o metropolă ameţitoare, ce alimentează şi totodată devorează iluziile.Admirată prin ochii personajului masculin, Holly îţi oferă unul dinte cele mai frumoase spectacole ale feminităţii, ştiind până unde să se dezvăluie fără a fi deposedată de farmecul enigmatic. Este un spectacol ce permite o desfăşurare într-o formă nouă a eternelor ipostaze feminine derutante. Regăseşti femeia-copil, femeia-adolescentă-nesăbuită, cu vârstă incertă, seducătoarea pragmatică, femeia-prietenă cu spirit matern, femeia necruţătoare, femeia tandră, femeia anarhică, femeia sigură pe ea care ştie să se facă indispensabilă chiar şi atunci când ameninţă să-şi epuizeze psihic admiratorii.

Citeşte şi Acum ne despărţim – Surpriza pe care o meritau fanii lui Truman Capote

Acum ne despartim – Surpriza pe care o meritau cititorii lui Truman Capote

Cum să-ți folosești mai inteligent banii – 10 soluții simple

Te consideri o persoană responsabilă, știi că e important să economisești dar nu reușești aproape niciodată să pui bani deoparte, ba chiar ajungi să cheltuiești mai mult decât câștigi. Sau, cel mult, reușești să economisești pentru vacanța viitoare.
Ni s-a întâmplat tuturor. Nu vrem să te convingem să îți schimbi radical comportamentul, dar avem câteva tips & tricks care te vor ajuta să începi să economisești bani fără efort și să îți optimizezi cheltuielile.

1. Nu îți da ocazia să greșești

Temptation

sursa foto: James Jordan, https://www.flickr.com/photos/jamesjordan/

Există o eroare sistematică (cognitive bias) în gândirea tuturor. Și anume ne supraevaluăm capacitatea de auto-control. Atunci când vorbim despre finanțele personale această supraevaluare poate conduce la cheltuieli mari și nenecesare. Cei mai mulți dintre noi credem că putem să rezistăm tentației de a utiliza banii de pe un nou card de credit peste capacitatea de rambursare. Cei mai mulți dintre noi credem că vom intra în mall strict pentru a ne face cumpărăturile trecute pe listă. De cele mai multe ori ajungem însă să cheltuim mult peste ce ne-am propus. Concluzia: evitați tentațiile dacă vreți să economisiți.

2. Ai grijă să nu cazi în capcana relativizării (efectul ancoră)

anchoring effect

sursa: Emma https://www.flickr.com/photos/furny/

Marketerii știu că atunci când cumpărăm ceva decizia o luăm mai degrabă în prețuri relative decât în prețuri absolute. De aceea de cele mai multe ori atunci când ai de ales un plan tarifar la un serviciu online (de exemplu un abonament la un server, o publicație online etc) ți se oferă trei pachete cu trei prețuri diferite. Vânzătorul știe exact care este pachetul pe care vrea să ți-l vândă și îl va face să pară cel mai atractiv în comparație cu celelalte două. Așadar încearcă să gândești în prețuri absolute și să ai în vedere valoarea adăugată pentru tine a produsului sau serviciului respectiv.
Aceeași tactică este utilizată de retaileri în perioadele de reduceri. Faptul că prețurile sunt mai mici față de prețurile de pornire ne induce să cumpărăm multe lucruri de care nici măcar nu avem nevoie.

3. Crește-ți rata la bancă sau chiria

savings, economisire

sursa foto: TaxRebate.org.uk

Cum te poate ajuta un credit să economisești sau cum te poate ajuta virarea chiriei într-un cont să pui bani deoparte? Simplu. Atunci când depui bani în cont pentru a ți se retrage rata lunară, consideră că ți-a crescut dobânda și depune cu 100 lei mai mult. Gândește-te că într-un an poți economisi o rată la bancă sau chiar mai mult. Dacă nu ai rată dar plătești chiria într-un cont, fă un transfer atunci când plătești chiria și de 100 lei sau mai mult către un cont personal la care nu ai acces ușor, ca și cum ți s-ar fi mărit chiria.

4. Folosește bariere mentale pentru a-ți reduce cheltuielile

newsletter

sursa foto: Dennis Skley https://www.flickr.com/photos/dskley/

Dacă ai observat că ai cheltuielile prea mari la diverse produse și servicii, mergi la cauză. Nu te gândi la ce poți renunța astăzi, ci caută cauza cheltuielilor. Fă o trecere în revistă a extrasului bancar. S-ar putea să fii surprins să găsești un abonament la un serviciu online care s-a reînnoit automat și care te taxează în fiecare lună. Fă o trecere în revistă și a newsletterelor pe care le primești. Haine, pantofi, lentile de contact, mobilă și alte nebunii pe care le cumperi de multe ori pentru că le vezi în email și nu poți rezista tentației. La fel, dezabonează-te de la paginile Facebook ale brandurilor de la care cumperi.

5. Verifică dacă abonamentele tale nu au un tarif vechi, care nu se mai justifică

if titanic

Ți s-a întâmplat de mai multe ori să constați că abonamentul de internet sau TV pe care îl plăteai nu se mai justifică? Același abonament care acum 2 ani costa 50 lei, acum este 30 lei. În general serviciile care au legătură cu domeniul IT au o curbă descendentă a prețurilor datorită avansului tehnologic. Verifică tarifele actuale, s-ar putea să ai surprize și să constați că plătești de ani buni câte 20-30 lei în plus la abonament. Deja în doi ani, vei fi plătit în plus 700 lei.

6. Plătește-te pe tine în primul rând

pay bills and die

Știm, cheltuiești toți banii pe care îi câștigi și nu îți rămâne nimic de economisit. Și știm că nu poți schimba acest fapt. Dar dacă te-ai plăti pe tine primul/prima, înainte de a plăti orice factură sau rată la bancă? Setează-ți un cont la care să nu ai acces prin online banking (ai grijă să nu aibă atașat comision la încasare) și transferă-ți în fiecare lună 50 lei. Dacă poți seta o plată automată va fi și mai bine. La sfârșitul anului vei avea 600 lei, iar la anul poți crește această sumă depunând și mai mulți bani în contul secret. Poți folosi apoi acești bani pentru un scop cu adevărat important pentru tine.

7. Nu cumpăra dacă nu este la reducere

sales

sursa foto: Kevin Dooley, https://www.flickr.com/photos/pagedooley/

Atunci când vezi câși bani poți economisi făcând cumpărături numai de produse la reducere, shopping-ul la discount va deveni un nou hobby. Poți cumpăra detergent, haine, piese de mobilier, veselă, electronice și aproape orice îți dorești cu reduceri semnificative. În general urmărim să cumpărăm la reducere numai lucruri de valoare mare, dar vei vedea că această strategie îți va aduce economii semnificative la orice tip de cumpărătură. La 100 lei economisiți astfel, în medie, în fiecare săptămână, vei economisi 5200 lei pe an pe care să îi folosești pentru ceva important pentru tine.

8. Prioritizează cheltuielile

16827324155_4a10b10a22_z

sursa foto: gotcredit.com

Nu poți cumpăra cea mai bună calitate pentru toate produsele și serviciile pe care le consumi. Fă-ți o listă de priorități zero și cumpără numai branduri generice sau branduri proprii pentru restul de produse. Nu ai nevoie de cele mai scumpe bețigașe de urechi, cele mai scumpe șervete de bucătărie sau cei mai cei papuci de casă. De multe ori cumpărăm cea mai scumpă mobilă sau cel mai scump produs pentru că prietenii sau cunoscuții noștri l-au cumpărat sau ni l-au recomandat. Sau, și mai interesant, cumpărăm cel mai scump fel de mâncare la recomandarea chelnerului sau draperia de mătase naturală la recomandarea vânzătoarei. Lasă presiunea socială acasă atunci când pleci la cumpărături.

9. Folosește mai mult plata cash

cash

sursa foto: Dustin Ground https://www.flickr.com/photos/dground/

Sună total neintuitiv după ce am tot aflat că românii folosesc prea puțin plata cu cardul și nu suntem suficient de educați în privința plăților online. Corect, dar dacă vrei să economisești, cel mai bine este să faci cât mai multe plăți în numerar. S-a dovedit că oamenii cheltuiesc semnificativ mai mult atunci când plătesc cu cardul. În general suntem mult mai motivați de pierdere decât de câștig. În momentul în care vom vedea că suma scoasă de pe card pentru a ne ajunge o săptămână întreagă începe să se subțieze dramatic, vom fi mult mai atenți ce cumpărăm. Fiecare ban plătit din portofel ne va produce un oarecare disconfort, mult mai intens decât atunci când plătim cu o bucată de plastic.

10. Alege-ți o zi pe săptămână în care să nu cheltuiești niciun leu

pisica

sursa foto: Sean MacEntee https://www.flickr.com/photos/smemon/

Stăm acasă și economisim… Vei plăti chiria sau rata la bancă pentru ziua respectivă, însă poți controla să nu cheltuiești bani pe mâncare, haine, distracție sau orice altceva care te ține departe de economisire. Este doar o zi pe săptămână dar este un exercițiu foarte bun de disciplinare a obiceiurilor de consum.
Dacă vei începe să ții cont de cele 10 sfaturi, cu doar 500 lei economisiți respectând fiecare sfat, vei ajunge să economisești 5000 lei într-un an. Nu e rău deloc…

Ultimele articole